Comme un écho tonne

Geoffrey Badel, Antoine Bondu, Virginie Cavalier, Sarah Van Melick

Vue de l’exposition
Crédit photo : Cédrick Eymenier

Initié en 2016, conçu par les écoles supérieures d’art d’Occitanie (ÉSAD Pyrénées, ésban, isdaT et MO.CO. Esba) en partenariat avec le Frac, le programme Post_Production a pour objectif de favoriser l’insertion professionnelle des artistes. Accessible sur candidature, il s’adresse aux artistes titulaires du DNSEP (Diplôme national supérieur d’expression plastique). Le programme garantit aux lauréat·es une bourse accordée par leur école d’origine, pour la mise en œuvre ou en production d’un projet. Le Frac assure l’accompagnement et la prise en charge des moyens liés à l’exposition qui se tient généralement à l’automne à Montpellier. Depuis 2018, les artistes sont invités à solliciter une personnalité de leur choix, pour un texte critique qui rend compte de leur démarche ou des œuvres exposées.
Septième édition de Post_Production, l’exposition Comme un écho tonne est réalisée dans le cadre du programme satellite de la 2e Biennale des jeunes artistes artpress Montpellier 2022, Après l’école.

En savoir plus sur les lauréat·e·s 2022

« Comme un écho tonne » est le titre de l’exposition de quatre artistes réunis dans le cadre du programme annuel Post_Production. Il repose sur un jeu avec le mot « écotone », qui définit une « zone de transition entre deux écosystèmes, où les conditions d’environnement sont intermédiaires ». Ainsi, en écologie du paysage, le mot permet de décrire certaines limites entre des conditions naturelles différentes, par exemple le passage d’une forêt à une savane, d’une zone alluviale à une autre, non inondable. Il s’agit alors de décrire un entre-deux, et non pas une frontière étroite, une ligne abstraite. Plutôt l’espace où se rencontrent deux univers ayant des caractéristiques propres et qui, à l’endroit de l’écotone qui les relie, entremêlent leurs spécificités.

En art, la question de la « limite » est essentielle. Car la façon de la concevoir induit, de fait, la réalité des passages entre des êtres et des choses qui n’obéissent jamais aux séparations arbitraires que la rationalité calculatrice impose dans sa vision du monde. Au contraire, l’invention artistique est une recherche constante pour rendre compte matériellement, physiquement ou encore formellement des « échos » qui résultent des rencontres vécues dans des espaces et aussi des temps différents. Autrement dit, parce que le monde est fait d’une infinité de frictions entre des singularités par principe relatives (les unes aux autres, jamais absolues), il produit des espaces de vibrations qui expriment l’épaisseur réelle des êtres, leur tendance à l’expansion, à la croissance.

Les œuvres sont alors des « chambres d’écho », dont il faut remarquer qu’on peut les utiliser soit de manière centripète (en se rapprochant du centre) soit de manière centrifuge (en s’en éloignant). Dans le premier cas, on part des réalités qui les « bordent » et l’on pénètre dans l’espace où elles produisent leurs résonnances, on s’immerge dans la mystérieuse confusion des énergies contraires. Dans le second cas, on se laisse porter vers les univers spécifiques ayant apporté leurs caractères singuliers, on part à l’aventure, on quitte la plaine pour la forêt profonde, ou on plonge dans l’inconnu d’un ailleurs qui attire puissamment… Car le spectateur, en art, est nécessairement l’un des « pôles » (Duchamp) de la rencontre, il apporte des résonnances propres qui l’engagent à son tour.

Mais dans l’un et l’autre cas, la puissance de l’art fait effraction, au sens où il ne laisse pas en quiétude celui ou celle qui se contenterait d’être « soi ». L’œuvre est un dérangement, un coup de tonnerre efficient, conséquence inévitable d’un écho amplifié par la multitude des êtres qu’il traverse et qui, à leur tour, se répercutent en lui. L’exposition collective de Geoffrey Badel, Antoine Bondu, Virginie Cavalier, Sarah Van Melick en fera la démonstration sensible.

Les œuvres de Geoffrey Badel sont des tentatives de « dialogue » avec des êtres aux présences moins identifiables que la plupart des corps qui traversent la société humaine. Utilisant toutes sortes de capteurs d’ondes, l’artiste cherche à impliquer aussi le spectateur dans des espaces à entrées (et sorties) multiples. L’ensemble présenté au Frac restituera une tentative de rencontre avec les chauves-souris : de grands dessins des visages monstrueux de ces volatiles suggèreront les ondes sonores que leurs faces alambiquées produisent pour s’orienter dans la nuit. De plus, un nichoir agrémenté d’un visage en plâtre de l’artiste sera installé sur la façade de l’espace d’exposition, directement accessible depuis la rue, comme une manière d’ouvrir symboliquement l’espace d’exposition (et de l’art) à ces invités inattendus.

Antoine Bondu est sculpteur : ses recherches mêlent des formes issues de l’histoire de l’art et des matériaux classiques (plâtre, pierre, bois) ou prosaïques (verre de récupération, béton). Les modalités de rencontre entre des codes ou des fonctions formelles disparus et des matériaux qui expriment l’immédiateté du « matérialisme » moderne l’incitent à inventer des sculptures hybrides autant que débridées ! De la surface des décors anciens à l’épaisseur des structures contemporaines, des fictions dessinées (ou écrites) à la vérité des éléments, le travail de Bondu cherche à traverser les limites qu’imposent nos représentations mouvantes de l’espace et du temps. Au Frac, trois pièces témoigneront différemment de ces efforts, l’une convoquant l’art grec, une autre les écritures de l’Ile de Pâques, et une troisième la notion incontournable du « tas » dans l’art contemporain.

Les œuvres de Virginie Cavalier naissent d’une confrontation inquiète avec l’animalité, dans ce qu’elle convoque de violence millénaire de l’humanité à son égard. Renouer avec la nature ne saurait se faire sans s’immerger dans les formes et les outils qui témoignent de la contrainte faite au corps animal, afin de le faire servir aux intérêts prédateurs des hommes. Ils sont bien évidemment, et depuis longtemps, esthétiques autant qu’alimentaires. Les procédés matériels de Cavalier témoignent de cette ambivalence. Dans l’exposition, les destins du Chevreuil et de l’Effraie seront revisités par l’artiste sous la forme de sculptures suspendues, comme des trophées, ou de plaques gravées renvoyant autant à l’art qu’aux pratiques votives, voire aux rituels chamaniques par lesquelles l’humanité cherchait à conjurer ses peurs infinies de la souffrance et de la mort.

Sur des tuyaux en cuivre, Sarah Van Melick grave des images d’archives restituant le travail des Marocains dans les houillères du Nord de la France. À l’intérieur des tuyaux, de petits diffuseurs sonores feront entendre, mêlant le français, l’arabe et le berbère, des témoignages sur la vie de ces travailleurs, mais aussi de leurs familles : venus des campagnes du Maroc ou déjà industrialisés dans les complexes industriels de France, des hommes et des femmes se sont rencontrés à la lisière de deux « mondes », le Nord et le Sud. Mais aussi, la mine est l’expression d’un sous-sol remontant à la surface, ou d’un extérieur replongeant sans cesse dans les profondeurs. Là encore, traversées physiques et traversées imaginaires ou symboliques se rejoignent dans des objets à résonnances multiples. L’histoire et l’Histoire sont deux espaces inconciliables où chacun se cherche comme dans un labyrinthe infini.

Emmanuel Latreille
Directeur du Frac Occitanie Montpellier
Commissaire de l’exposition